Rubens, Brueghel, Lorena. El paisatge nòrdic al Prado

L’exposició “Rubens, Brueghel, Lorena. El paisatge nòrdic al Prado”, coorganitzada amb el Museo Nacional del Prado, reuneix una selecció d’obres adscrites al gènere del paisatge, desenvolupades al segle XVII per autors procedents dels principals centres de producció i evolució d’aquest gènere pictòric: Flandes i els Països Baixos (coneguts pels italians d’aquest segle com a nòrdics), i del denominat paisatge italianitzant, portat a terme a Roma per un grup de pintors procedents d’aquesta mateixa zona del nord d’Europa i de França.

Provinent dels fons del Museo Nacional del Prado, aquesta selecció d’autors i obres ens ofereix no tan sols la possibilitat d’entrar en contacte amb la producció d’aquests grans mestres, sinó de traçar el desenvolupament i l’evolució de la pintura de paisatge i les seves tipologies, des de la seva utilització sistemàtica com a fons dels grans cicles narratius històrics (mitològics o religiosos), utilitzats com a simple pretext per pintar la grandesa de l’entorn natural i tots els seus detalls, fins a la independència del paisatge com a gènere pictòric en si mateix. 

Aquesta obertura cap a noves temàtiques que es distancien de les tradicionals s’evidencia especialment en la presència de temes quotidians, que es desenvolupen en les denominades escenes de gènere o pintura costumista.

CaixaForum Palma. Del 20 de juny al 29 de setembre de 2013

“Total Resolution, 53.028 pinceladas de pintura acrílica” Jaume Orejuela.

Se trata de una muestra organizada por el Institut Balear de la Joventut del Govern de les Illes Balears, el Ajuntament de Palma, el Casal Solleric y la Fundación Banco Santander.

La exposición está comisariada por Pilar Ribal y permanecerá abierta hasta el 26 de junio de 2013.

Jaume Orejuela nació en 1981 en Pollença, Mallorca. Entre 2005 y 2010 vivió en el Raval de Barcelona, mientras se licencia en Bellas Artes y realiza un máster y el doctorado. Desde 2010 vive y trabaja en Pollença y en Barcelona.

En 2011 ganó el premio ArtJove2010 del Govern de les Illes Balears y fue seleccionado en varios certámenes internacionales.

El trabajo de Jaume Orejuela está centrado en los procesos de gestión y admistración de la información en entornos culturales y en las técnicas y tecnologías aplicadas a la producción de obras de arte.

Su obra se puede encontrar en diferentes colecciones, tanto públicas como privadas: Banque Privée, Consell de Mallorca, Galeria Cadaqués, Camper, La Caixa, Lluc Fluxà Espai HC o Addaya Col·lecció.

Casal Solleric, 6 d'abril a 26 juny del 2013.

Eduardo Arroyo: retratos y retratos.

Con un título intencionadamente redundante, la exposición Eduardo Arroyo: retratos y retratos, que reúne más de un centenar de obras del artista, está centrada en dos aspectos muy presentes en su trabajo durante gran parte de su prolífica carrera de pintor y que, sin embargo, hasta ahora apenas habían sido expuestos y, desde luego, nunca confrontados el uno al otro.

Se trata, por un lado, de su faceta de retratista. Arroyo ha sido, desde sus inicios, un pintor de retratos (y autorretratos), interesado tanto por personajes de ficción como por personajes muy históricos y muy reales. Estos últimos han sido el objetivo principal a la hora de seleccionar las obras para esta exposición: autorretratos o retratos de figuras reales, históricas, y no tanto representaciones de personajes imaginarios.

Las 33 pinturas y dibujos y las 8 esculturas que integran esta muestra, pertenecientes a distintas colecciones públicas y privadas españolas e internacionales, conforman una galería de retratos —algunos de ellos conocidos, otros rigurosamente nuevos—; de personajes de la historia nacional e internacional: figuras históricas como Isabel la Católica; figuras de la vida pública, que van desde Napoleón a la Reina de Inglaterra pasando por Carmen Amaya; escritores como Franz Villiers; boxeadores como Marcel Cerdan; poetas como Hölderlin; pintores como Soutine, Van Gogh, Rembrandt o Richard Lindner o santos mártires como San Sebastián... y también el propio pintor.

La selección incluye piezas de finales de los años 50, fecha de su marcha a París, hasta el año 2012, con algunas esculturas y, sobre todo, tres autorretratos muy recientes que parece haber firmado desfigurándolos —los rostros tienen huellas de las sustancias líquidas que el pintor ha arrojado a cada rostro al acabarlo—cum ira et studio, con esa mezcla de humor y seriedad perfectamente conscientes que nadie puede echar de menos en la polifacética obra de Eduardo Arroyo.

Pero Arroyo ha sido, también, un artista enormemente interesado por otra faceta del trabajo artístico, una actividad para la que aún no hace mucho solía emplearse la palabra "retrato" (en aquellas épocas en la que la gente aún "iba a retratarse"): la fotografía. Y es que, desde siempre, a Eduardo Arroyo le ha interesado la fotografía, de modo especialmente operativo a partir de los años 70. Le atraía no tanto como práctica artística —Arroyo no es ni ha querido ser nunca fotógrafo, ni mucho menos "artista-fotógrafo"—, sino en su papel —nunca mejor dicho— de soporte de la memoria familiar y social; en última instancia, su poder narrativo. En este sentido Oliva María Rubio, comisaria de la muestra y autora de uno de los ensayos que recoge el catálogo, habla de "narraciones fotográficas".

En efecto, a Arroyo le han interesado las viejas fotografías de los rastros y los mercadillos, los desechos de los álbumes familiares y las fotografías de autor desconocido y gentes anónimas, sobre cuyo soporte y cualidades ha trabajado e intervenido —pintándolas, cortándolas, fragmentándolas, yuxtaponiéndolas a dibujos, pinturas o papeles de calco, haciendo collages y foto–collages, seriándolas— como mejor le ha parecido y más convenía a sus intereses pictóricos. Las 70 fotografías, en su mayoría inéditas y todas pertenecientes a la colección del autor, que completan esta exposición testimonian de su trabajo con la fotografía. En realidad este ha sido el núcleo original desde el que se ha desarrollado el presente proyecto expositivo.

Eduardo Arroyo: retratos y retratos está organizada por la Fundación Juan March, con la colaboración de La Fábrica. Acompaña a la muestra un catálogo ampliamente ilustrado, con una entrevista a Eduardo Arroyo, ensayos de Oliva María Rubio, Michel Sager, Manuel Fontán del Junco y textos de Fabienne di Rocco.

Museo Fundación Juan March, Palma.

22 de febrero – 18 de mayo de 2013

Tres segles de pintura. La pinacoteca del Consell de Mallorca

L'exposició reflecteix el procés històric de la Diputació Provincial de Balears, nascuda arran de la Constitució del 1812, amb una selecció representativa del què és la pinacoteca de la Diputació, que a la vegada mostra els autors mallorquins més destacats de l'època, així com les diferents tendències i temàtiques artístiques.

Capella de la Misericòrdia, del 7 de gener al 8 de febrer de 2013.

Miquel Salom. Ictum Olim. Ambrotypes & Tintypes

Reconocido por su extensa trayectoria profesional, Miquel Salom (Santa María, Mallorca, 1951) lleva varias décadas investigando distintas soluciones técnicas para aplicarlas a su creación artística fotográfica. Resultado de una sus visitas a los Estados Unidos, donde observó en directo originales  realizados por los pioneros de la fotografía, su exposición “ICTUM OLIM. Ambrotypes & Tintypes” reúne una selección de retratos, estudios de forma y paisajes realizados mediante la técnica del colodión húmedo, considerada la primera emulsión fotográfica de la historia.

Basada en la exposición directa a la luz de una placa de cristal o metal sensibilizada con una solución química que permite la rápida obtención de obras únicas e irrepetibles,  este procedimiento fue inventado por Frederick Scott Archer en 1851 y desarrollado por Hamilton Smith en 1856 con la patente del Tintype. Se ampliaba así el alcance de las primeras experiencias de registro de imágenes que había iniciado Nicéphore Niepce en 1826 (fecha oficial de la primera fotografía), continuado Daguerre (inventor en 1829 del llamado “daguerrotipo”), William Fox Talbot (que llevó a cabo sus experiencias con el “calotipo” a partir de 1840) y que, tras la aparición de los ambrotipos y tintipos respectivamente patentados por Archer y Smith, culminaba en 1879 con la invención de la placa seca por parte de Maddox.

Como dice Miquel Salom: “la liturgia del proceso es larga y tediosa pero siempre requiere la precisión de la química”, siendo el resultado totalmente impredecible debido a la gran cantidad de variables que intervienen en el mismo: “estado y pureza de los químicos, calidad y composición del agua, temperatura y humedades ambientales, exposición a la luz, nivel de UV de la luz y otros imprevistos”.  Con una excelente gama tonal y  ausencia de grano, los ambrotipos y tintipos destacan por sus cualidades visuales, muy sutiles y bellas, y por una duración garantizada a muy largo plazo.

En contraposición a la multiplicación infinita de las imágenes digitales y en sintonía con las tendencias actuales de revalorización de las primeras técnicas fotográficas y cinematográficas, la exposición “ICTUM OLIM. Ambrotypes & Tintypes” de Miquel Salom supone una magnífica oportunidad para  observar la pureza de la fotografía pionera a través de sus géneros más representativos.

Cuando nos aproximamos al doscientos aniversario del descubrimiento de la fotografía, Miquel Salom se une al creciente grupo de artistas internacionales que hacen resurgir la antigua técnica del WPC (Wet Pate Collodion) para reivindicar la riqueza de la fotografía argéntica, firmando una sustancial contribución a la fotografía artística contemporánea.

Casal Solleric, Palma, desde el 20 de septiembre de 2012 hasta el 6  de enero de 2013

Mirades creuades. Abstracció i realisme

Aquesta exposició forma part de l’acord de col·laboració amb el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) i està integrada per una acurada selecció d’obres d’artistes de gran
relleu de les col·leccions de la Fundació ”la Caixa” i del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA). La mostra contrasta els conceptes de realisme i abstracció en dos períodes diferents de la segona meitat del segle xx, principalment en pintura, escultura i fotografia. Les dècades dels anys cinquanta i principis dels seixanta produeixen
una pintura abstracta vinculada al corrent de pensament existencialista i transcendental de la postguerra, com són les obres informalistes d’Antoni Tàpies, Jean Dubuffet, Manolo
Millares o Antonio Saura, mentre que la fotografia profundament realista, com la de Xavier Miserachs, elabora un discurs socialment compromès. Aquesta part de la mostra
també inclou altres formes d’abstracció, com és la geomètrica de Pablo Palazuelo, Jorge Oteiza i Eduardo Chillida.
Realisme i abstracció es redefineixen amb conceptes vinculats a la forma i la imatge durant les dècades dels anys vuitanta i noranta. La fotografia adopta un enfocament impersonal
i objectiu, representant la realitat a través d’un èmfasi en l’estructura dels seus elements constitutius. Les fotografies dels paisatges urbans de Thomas Ruff, Jean Marc Bustamante
o Thomas Struth es relacionen aquí amb una pintura figurativa que privilegia l’experimentació de la forma, fins a convertir els seus paisatges en una abstracció, com es veu en les obres
d’Anselm Kiefer, Miquel Barceló o José María Sicilia.

Fundació La CAixa Palma, del 3 d'octubre del 2012 al 5 de gener del 2013.

Carlos Aires, Es Pain

Tres notas sobre “Es Pain” de Carlos Aires

1- Contextualizando una idea

Hablemos de España pero también de Occidente, hablemos de este primer mundo que creíamos superlativo, todopoderoso, pero que ha resultado no serlo, hablemos de historia, de culturas y de tradiciones, hablemos de verdades y de mentiras, hablemos del mundo y de la sociedad contemporánea, hablemos de todo empezando por nosotros mismos. Comienza el viaje. Una serie de fotografías antiguas de prensa intervenidas en dorado mediante la trascripción de letras de canciones famosas, un vinilo en forma de altar profano donde se recogen parte de los iconos que conforman nuestro país, referencias pasadas, presentes y quizás futuras: fútbol, nacionalidades, folklore y religión, una primera parte del recorrido que se culmina con un crucifijo múltiple, un recuerdo de lo que fuimos y una expresión de lo que somos, de lo que creemos que somos y de lo que los demás piensan que somos.

2- Occidente como tierra prometida

Todo parecía perfecto, nuestra capacidad de seducción era enorme y nuestras posibilidades infinitas, vivir en el primer mundo era lo más cerca que se podía estar del paraíso. Ochocientas fotografías de personas sonriendo o riendo, retratos que provienen de periódicos, de revistas y de webs, coleccionados durante años, escaneados, reeditados e impresos de nuevo en blanco y negro, finalmente enmarcados y expuestos. Un reflejo especular de la imagen que desde Occidente queríamos vender de nosotros mismos: la tierra prometida, la tierra de la felicidad, el reclamo perfecto para los que carecían de ella, un espejismo sobre cristal oscuro de un mundo construido en cartón-piedra y que, ahora, se está desmoronando.

3- El parquet de nuestros salones

Un espacio vacío y un suelo de parquet, un parquet realizado con cientos de tablillas provenientes de las pateras que se almacenan en un cementerio de barcos de Cádiz, un suelo de madera construido a base de los sueños de miles de personas, una tarima instalada sobre las vidas de muchos seres humanos, de individuos cuyas ilusiones nacieron y murieron en el Mediterráneo.

Carlos Aires (Ronda, Málaga, 1974) ha presentado su obra en numerosas exposiciones a nivel internacional, entre las que cabe destacar las muestras individuales recientes Love is in the air (Remix) en CDA Projects (Istanbul, Turquía, 2012), Opening Night en el CAC, Centro de Arte Contemporáneo (Málaga, 2012), Let’s get physical en ADN Galería (Barcelona, 2011) y Golden Tears en MAM – Mario Mauroner Comporary Art (Viena, Austria, 2010). Aires ha participado recientemente en las exposiciones colectivas Gold en el Imperial Belvedere Palace Museum (Viena, Austria, 2012), Basados en hechos reales en la Fundación Artium de Álava (2010) y en las ferias Volta Basel, Art Dubai, Art Stage Singapore, ARCO, ArtBrussels, Hong Kong International Art Fair y ViennaFair, entre otras. Vive y trabaja en Madrid.

Casal Solleric, 20 setembre 2012 - 06 gener 2013